Autori pilk fotograafias

Filmides sageli kasutatav pildistamine peategelase selja tagant loob mulje, et me näeme stseeni tema silmade kaudu ja tänu sellele samastume me tahtmatult temaga. Üldiselt on vaataja samastumine kellegi autori või kangelase või millegi muuga kunstiteoses läbiv teema ja põhikriteerium, millega me siinkohal tegeleme.

Pean tunnistama, et see kaader võeti juhuslikult, ilma suuremate ootusteta, kuid see osutus päeva kõige õnnestunumaks. Võib meenutada, et tunnistajate sõnul ei pildistanud seesama Cartier-Bresson sugugi nii vähe pilte ja tema trükitud kaadrite osakaal oli paljude andmetel üsna tavaline, st. e., Kui ta töötaks meie kirjastuses, peaks ta kuulama raamatupidaja nurinat: “2 filmi osteti, aga 3 sattus väljaandesse, nii et see oli ilmselgelt raiskamine”. Praktiline järeldus: kui te pildistate vähimagi üleskutse peale, on teil paremad võimalused.

Kaader “töötab” tänu kompositsioonilisele lahendusele: seal on kaldpildi ristimuster laudade-toolide rida ja seda läbiv tegelase pilk, mida võib aimata , ja muide, üks neist juhtudest, kus kärbitud sensor oleks andnud parema tulemuse kui täiskaader, nagu siin fookusest väljas olevad detailid kaadri ülemises osas oleks olnud parem vältida .

Canon EOS 5D, 24-105/4L 75mm juures, ISO 100, 1/15c, f/7.1, kompensatsioon -1/3, apertuuriprioriteet.

Kõige olulisem küsimus fotograafias: miks inimesed seda üldse vajavad?.

“Minu portreefotod räägivad rohkem minust kui inimestest, keda ma pildistan.”.

Richard Avedon

Miks?.. Kui sa pildistad elatist – see on eraldi lugu. Fotograaf Vladimir Arkhipov on sageli öelnud, et tema silmis on tõsine amatöörfotograaf kõrgemal tasemel kui professionaal, sest tee temast meistrini on lühem ja sirgem, samas kui professionaal pildistab vorste.

Mis on tõsi, see on tõsi: igaüks, kes pildistab raha eest, ütleb teile, et suur osa pildistamise eest maksmisest on see, kui teid viiakse rämedasse kohta ja öeldakse: “tehke ilus pilt, me tahame seda kataloogi jaoks”. Siis tuleb tehnika ja tehnika valdamine.

Ja muidugi on alati rõõm, kui kaamerat oskuslikult kasutatakse ja kaader õnnestub ma ei väsi kunagi imestamast, millist lapselikku rõõmu näitab iga tõeline fotograaf, kuigi juba hallipäine, just pildi loomise tehnilises protsessis , kuid see ei muuda asja: ka vorstikesi võib rõõmuga pildistada…

See on erinev, kui inimene pildistab sisemise vajaduse tõttu – “sest mulle meeldib”. Eneseväljenduse tung on inimese psüühika sügavamates kihtides ja avaldub jõuliselt: keegi pildistab, keegi komponeerib, keegi teeb käsitööd, ja kui sellest pole midagi, siis kirjutab ta aia peale..

Iga kunstiga seotud töö on eelkõige väärtuslik, sest see on peegel, milles inimene, kui ta püüab ja tahab, saab ennast objektiivselt näha nagu ütleb Viktor Ivanovski, kui sa oled sentimentaalne, on su fotod sentimentaalsed; kui sa oled rumal, on su fotod rumalad . Ja muud peeglit ei ole üldse olemas. See tähendab, et ilma kunstita näevad sind teised palju paremini kui sina ise, kuid selle abil saad väärtusliku võimaluse näha, mõista ja parandada ennast.

Vaid sellega seoses tasub meenutada Tokio maa-aluse gaasirünnaku eest hukatud Sekou Asahara sõnu: ta väitis, et kunstnikke ja esinejaid ootab pärast surma kõige hullem karistus, sest nad õpetavad inimestele valesid võõraid reaktsioone ümbritsevale keskkonnale. Olles näinud ilusaid näiteid, kordab inimene kellegi teise sõnu ja irvitab, selle asemel, et mõelda sellele, mis teda isiklikult see kõik huvitab, st kes ta tegelikult on.

Küsimus on alati raske ja mõnikord isegi valus ja lihtsad vastused nagu “ma olen argentiinlane” või paapua , “ma olen jalgpallifänn” või “ma olen rokkar” rahuldavad nõudlikku inimest mõnda aega. Võõrandunud, kiirendatud valikud on ohtlikumad: need ei ole nii lihtsad ja võivad jääda inimesele lõplikult külge. Tegelikult on need meile väga tuttavad – need on fotomargid.

“Kaamera võib teha pilti mõttest”.

Dirk Bogarde

Üks parimaid muidugi subjektiivselt ja kindlasti kõige huvitavamaid viise kõigi nende küsimuste käsitlemiseks on fotograafia. Selle loomise igas etapis teema, kompositsioon, esilühendamine jne . fotograafia on alati valik, teatud valikute hulgast kõige huvitavama lahenduse otsimine.

See on nagu igal juhul oleme piiratud mõne võimalusega, kuid muusiku käsutuses on ainult 7 nooti – ja keegi ei kurda, et ei ole ruumi liikuda… Ja iga koduperenaine teeb suppi samast komplektist kartulitest, lihast ja soolast, ja see on alati erinev. Autori töö materiaalne alus, tooraine, millest see koosneb, peitub iga pildistamisetapi valiku väikestes iseärasustes.

Pildistada saab seistes, liikudes kõrvale või istudes. Võite lisada raami hoone nurga või jätta servadesse tühja ruumi. Valgustuskompensatsiooni saab määrata miinus kahele või jätta see nulliks… Nii et on valikuvõimalus. Kuna fotograafia oma õiges variandis on enamasti mitteverbaalne kunst mis tähendab, et ühtegi pilti ei saa asendada isegi üksikasjaliku verbaalse kirjeldusega, sõnades on alati midagi olemuslikku ja väljendamatut , siis on valik iga kord intuitiivselt tehtud.

Loomulikult selgitab iga fotograaf pärast pildistamist kergesti, miks ta istus või tumendas kaadrit, kuid see ei tähenda palju: olge kindel, et kui kaks hästi rääkivat fotograafi pildistavad sama stseeni erinevalt, siis mõlemad põhjendavad oma valikut võrdselt veenvalt. Põhjendus tuleb hiljem, kui on juba olemas intuitiivne otsus. See on see, mida te peate kõigepealt arendama, ja see omakorda arendab teid.

“Hea fotograafia jaoks ei ole reegleid. On lihtsalt häid fotosid.

Ansel Adams

Just kõrvalekalded kõige ilmsemast, banaalsemast teemavalikust, kompositsioonist või millestki muust on need, mida vaataja kohe registreerib kui kõige väärtuslikumaid, nii intuitiivselt kui need fotograafile pähe või kohe kätte tulevad.

Nad loovad “huvipunkte” ja nende summa on stiil. Autorsust, mis on kõige aluseks, võib kokkuleppeliselt määratleda kui autori suhtumist oma stiili, kui seda stiili tajutakse kui vahendit.

Alamkorteksit ei saa petta: igasugused väljamõeldud, mitte intuitiivsed konstruktsioonid tunneb vaataja koheselt ära kui valed ja seega ebahuvitavad. Fotograaf peab nägema oma kaadrit hetk enne pildistamist juhtub muidugi, et ta näeb kaadrit, kuid tegelikkuses ei sobi või satub midagi vahele – näiteks vale taust või lisainimesed, ja ta peab olema ettevaatlik, et seda mitte maha pillata, hoides nähtut meeles ja tules, et tuua oma ideele reaalsus . Sa pead nägema nii, et emotsioonid ja kõik muu on sinus äratatud, siis on sul võimalus pildistada nii, et see “äratab” ka vaatajaid.

“Ma ei küsi kunagi endalt, mida teha. Nad ütlevad mulle. Fotod tekivad minu abiga ise.”.

Ruth Bernhard

Vaataja on kindlasti hea asi, kuid mitte paratamatult ja mitte alati. Kui ülesanne on mõista iseennast ja siit tulebki autori originaalsus , siis võib autor olla üsna isemoodi vaataja: mõelge Gauguinile, Van Goghile või hiljuti avastatud Chicago lapsehoidjale, kes on kogu elu vaikides enda jaoks pilte teinud, keda võrreldakse juba peaaegu Bressoniga kuigi kui meenutada, et tema kollektsiooni peavad müüma just antiigikaupmehed, siis ei ole küsimustki .

Igatahes fotograafilise arengu algstaadiumis, kui ei ole lihtne selgitada kellelegi väljaspool, aga isegi iseendale, mis sinu pildil toimub ja mida sa tahad, ei ole vaatajat vaja

Selles etapis seisab algaja fotograafi ees, kui seda tõsiselt õppida, entsüklopeediline ülesanne: proovida võimalikult palju erinevaid lahendusi antud pildistamisprobleemile, sealhulgas mitte liiga kulunud marke, ja siis hoolikalt, Asahara sõnu meenutades, uurida tulemusi ja püüda ise otsustada: mis on minu, mis mitte tegelikult on see palju huvitavam ja meeldivam, kui ilma praktikata arvata võiks . See on oluline etapp: iga tehnika on tellis isikliku stiili templi seinas. Kui teil on mingi kogemus või isegi automatism, siis on vaatajale, kes mõistab asja olemust, väärtuslik.

“Ma ei võtnud ühtegi kaadrit nii, nagu ma kavatsesin. Nad osutuvad alati paremaks või halvemaks”.

Diane Arbus

Üks kõige ohtlikumaid ja kahjulikumaid kiusatusi fotokoolituses, eriti alguses, on kiire täiuslikkuse poole püüdlemine sarnane lõks on ka kristlikus praktikas – kui uuskursuslane püüab saada võimalikult kiiresti pühakuks . Kust tuleb see täiuslikkus esimeses etapis??

Kõige lihtsam ja kiirem viis on küljelt. Aga kellegi teise täiuslikkus, kui püütakse seda kopeerida ja enda omaks pidada, suretab just need impulsid, millest võib ühel päeval, kui see õnnestub, sündida suurepärane löök… Selles mõttes võib lugu Ivan-Tsarevitšist, kes põletas enneaegselt oma naise konnanahka, lugeda kui kodeeritud nõuannet noorele fotograafile.

Kandke Calvin Kleini nahka nii kaua, kui soovite või taluge oma muuseas ja tunnete end hiljem paremini. Imiteerimine ei ole mitte ainult elujõuetu – see tapab kõige tähtsama viljapea, mida tuleb kasvatada ja kasta – isikliku autori originaalsus. Ja kui lasta sellel veidi tugevamaks saada, siis on see nagu nalja puhul: “Kui ma suureks saan, siis on mul neid nii palju kui tahad.”. Seega on väga soovitatav, et fotograaf, eriti algaja, peaks huligaansust ja katsetamist – just lihtsast, teadlikust ja tahtlikust ebatäiuslikkusest, reeglitest kõrvalekaldumisest tekib isiklik stiil, ja kui inimene on terve egoist, ei ole midagi tähtsamat kui see ülesanne.

“Kui iidne vaas on kaunilt skulptuuritud ja kaunilt maalitud, siis on see juba ainuüksi sellepärast ilus. Aga ma ei usu, et sama kehtib ka fotograafia kohta. Kui seal ei ole midagi natuke kummalist, natuke ebatäielikku, siis näeb see välja nagu koopia millestki heast. Me ei ole tõenäoliselt temast huvitatud.

John Loengard

Loomulikult on fotograafiline meedium eriline. Üks minu tuttav kunstnik imestas kord: “Kui raske peab teil, fotograafidel, olema teemat leida, et kõik kokku langeks ja aega pildistamiseks oleks. Meie, maalijad, jaoks on see palju lihtsam: sa õpid, arendad oma maneeri – ja siis maalid oma rõõmuga”.

Sellel on oma põhjus: fotograaf on tegelikult rohkem sõltuvuses oma ümbrusest. Sellepärast on igasuguseid tehnikaid, kust iganes sa neid leiad. See hõlmab igasuguseid trikke eksponeerimise ajal näiteks juhtmestik , omatehtud optikat ja “Photoshopi”. Kõik vahendid on head, kui tulemus on hea. Väide, et “puhas” fotograafia st ilma Photoshopita on alati parem ja parem, näib olevat vaibumas.

Neis on midagi sportlikku. See on nagu ütleks, et kui üks ninja tapab oma vaenlasi viie erineva relvaga ja teine üheainsa usaldusväärse katana abil, siis on teine tähtsam. See võib olla, aga see ei pea olema – palju olulisem on see, kui palju vaenlasi ja milliseid on tapnud üks ja teine. Kuigi, muidugi, kui sa oled katana fänn, muutub see lähenemine arusaadavamaks.

“Fotograafiat ei võeta, seda tehakse.”.

Ansel Adams

Kui me juba “Photoshopi” mainime, siis ei tee paha meenutada üht fotograafide jaoks veidi ebameeldivat fakti: seesama Cartier-Bresson loobus elu lõpus fotograafiast ja hakkas maalima. “Noh..! – hüüdis üks teine tuttav kunstnik. – Te fotograafid olete fetišistid! Tõeline kunstnik teab, et kõik need asjad, nii kaamera kui ka maal, on tema käes vaid tööriistad!” Nii et võib-olla liitub “Photoshop” kunagi nende hulka.

Aga tagasi vaataja juurde. Vaataja teema ja laiemalt teie töö hindamine taandub peagi kultuurikeskkonna ja konteksti küsimusele. See on kindlalt seotud autori päritoluga. Kunstnik ei ela õhuta ruumis ja ühiskond on tema jaoks väga oluline. Loomulikult on ühiskond esmapilgul suur ja tavalises elus ei ole keegi takistatud suhtlemast ainult kitsa ringiga, mis koosneb vähestest väljavalitutest.

Aga kui tegemist on kultuurimaatriksiga, on asi veidi keerulisem. De facto oleme võtnud lääne fotograafia oma tipptaseme standardiks. See ei ole üllatav, sest see on tõesti kaugele läinud ja selles pole midagi halba. Tuleb lihtsalt selgelt eristada, mõnikord näiteid jäljendamiseks välja valides, selle kaks külge: teostuse tehniline tase ja konkreetse kujutise tähendus selle kultuurilises kontekstis.

Ei saa jätta märkimata, et edusammud lääne kogemuste ülevõtmisel esimeses, tehnilises osas ületasid tugevalt saavutusi teises osas. Ja see on paratamatu: teises keskkonnas üles kasvanud fotograafil on äärmiselt raske mõista Euroopa fotodesse kodeeritud intuitiivseid tähendusi, nii nagu meie kunstnikud ei suuda füüsiliselt võtta eurooplasi häirivaid probleeme südamesse, et rääkida neist intuitiivses keeles Euroopa vaatajaga, ükskõik kui palju nad ka ei püüaks jäljendada kõige kuulsamaid Euroopa meistriteoseid.

“Igal pildil on alati kaks inimest: fotograaf ja vaataja.”.

Ansel Adams

Näidete leidmiseks ei pea kaugele minema. Iga algaja fotograaf, kui ta vähegi proovib, on võimeline õppima kaasaegse lääne moefotograafia professionaalseid nippe näiteks . Kuid vähesed inimesed saavad tõeliselt aru kaasaegsest lääne kunstifotograafiast, eriti rakenduslikust, näiteks moe- ja reklaamifotograafiast.

See ei ole lihtsalt kellegi eksperimendid, isegi Andreas Gursky looming, kelle maestro staatust kinnitavad korduvalt miljonite müügitulud, tekitab kerget muret: kas meid ei peta?? Mis on see meie päeva Warhol? Ja ainult paljud nullid oksjonite aruannetes on kuidagi rahustavad. Paistab, et meid ei peta sellise raha eest.

Kuhu me sellega läheme?? Gursky on lihtsalt näide selguse huvides. Asi on selles, et me õpime ja isegi märkame tehnilisi nippe palju kiiremini kui semantilisi. Selline olukord ei ole ideaalne, kuigi see on üldlevinud. Ja järeldus on kõige banaalsem: me peame õppima! Mitte ainult “kuidas”, vaid ka “mida”, “millest” ja “miks”. Kui me juba autori originaalsusest räägime, siis on hea mõte veenduda, et teie pea ei jää kaugele maha teie enda käest. Ja see juhtub, oh seda juhtub!

“Fotograafia iseenesest ei huvita mind. Ma tahan tabada vaid tillukest osa reaalsusest”.

Henri Cartier-Bresson

Hea laskmine!

Stuudiovõtteid kuigi ainult paar pehmekastiga valgustit tavalises ruumis stuudiost tuleks võimaluse korral täita mõningase allegoorilise sisuga, sest nende sõna-sõnaline tähendus võib trivialiseeruda. Mask – elav ja elutu, tüdruk alasti ja maskeeritud samal ajal, ema ja laps – siia on kuhjatud mitmed “igavikulised” küsimused, millele fotograafid annavad vastuseid sajandi lõpuni. Nagu filmi ajal, on kohalik tumedus ja heledus kui neid tehti trükis endiselt võimsad väljendusvahendid. Kogu kaadri parem serv on siin tumendatud ning tüdruku ja nuku näod on esile tõstetud.

Canon EOS 5D kaamera, 70-200/4L 105mm, ISO 200, 1/125 c, f/11, manuaalne režiim.

Üks teemadest, mida näeme iga päev kümneid, kuid seekord õnnestus mul see visuaalsest voolust välja õngitseda. Raam laguneb mitmeks mitmetähenduslikult seotud osaks ja nende suhted on selle peamine huvi, kuigi ilmne seos ülaosas asuva tulipunase markiisi ja selle peegelduse vahel ümmarguses peeglis on kahtlemata domineeriv. Ma pidin kaadrit Photoshopi abil kohandama, helendades kaldkardina serva ja tumendades markiisi vasakul olevaid pimestavaid valgeid detaile, nii et need ei oleks kaadri kõige heledam osa. Pildistatud jooksu ajal Kemeri kaubandustänaval Türgis.

Canon EOS 5D, 24-105/4L 47mm juures, ISO 200, 1/200 c, f/9, kompensatsioon -1/3, avaprioriteet.

Loovus stuudiofotograafias nõuab eelkõige kujutlusvõimet, kergekäelist stiili, laiskuse puudumist ja mõnikord ka pisut hoolimatut huligaansust. Väga olulised on väljendusrikkad detailid – nagu siin, valeripsmed ja improviseeritud tiara. Ühevärviline lõikab välja tarbetu värviinfo ja aitab luua monoliitse pildi.

Foto: Egor Narizhny.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L, 95mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, manuaalne režiim, stuudiovalgus.

Sageli juhtub, et pildistad ruumi, mis sulle meeldib, ja siis, vaadates pilti monitoril, mõistad: see ei ole kaader, vaid hea taust kaadri jaoks – seal on puudu mõni tegelane või tegevus. Ma pildistasin seda, hakates huvituma varjude ja sammaste graafilisest kujundusest, kuid on väga võimalik, et kui tuul ei oleks puhunud ja laudlinat kaugemal laual ei oleks sisse puhunud, poleks seda ülesvõtet tehtud ja see oleks läinud, nagu paljud teisedki, arhiivi “Kohad, kus midagi ei toimu” sektsiooni. Järeldus üks: pildistamisel jälgige kõigi detailide seisundit kaadris ning reageerige kiiresti ja intuitiivselt. Teine järeldus: tehke rohkem võtteid. See kaader oli üks viiest, ja kuigi need kõik on tehtud ühe minuti jooksul, näevad need kõik monitoril erinevad välja.

Photoshopi töötlus on vähendatud värviküllastuse vähendamisele ja valguse heleduse korrigeerimisele.

Canon EOS 5D, 24-105/4L 45mm juures, ISO 100, 1/400s, f/10, kompensatsioon +1/3, avaprioriteet.

See on öine rätsepapood Vientiane’i tänaval Laoses. Öösel, luminofoorlampide elutumas valguses näevad viimistlemata jakkidega mannekeenid väga tähendusrikkad välja.

Öine fotograafia on ammendamatu aardelaegas kummalistest – ja heas mõttes – teemadest, mis esitlevad tuttavaid asju ebatavalisel moel. Selleks ei ole vaja statiivi – stabilisaator ja suure tundlikkusega kaamera annavad teile palju võimalusi otsetegevuseks, samas kui statiiv nõuab mõistlikumat lähenemist. Öiste stseenide pildistamine, vähemalt värviliselt, on digitaalsele üleminekuga positiivselt muutunud: diapasoonil oleks sellise pildi tegemiseks kulunud kümmekond mõõtmist hea punktmõõtjaga, tänapäeval piisab vaid kiirest pildistamisest ja kiirest järelkontrollimisest.

Öised kaadrid on samuti huvitavad, sest need säilitavad värvide elujõulisuse kunstliku valguse juures. RAW on väga soovitatav.

Canon EOS 5D, 24-105/4L 40mm juures, ISO 1600, 1/10 sek, f/5.6, kompensatsioon -1, avaprioriteet.

Sarjast “Mudelite elu”. Noorte naismodellide liigselt rõõmsameelne tirisemine moesessioonil võib viia selliste huligaansete kaadriteni, mis peegeldavad meeste arusaama naiste iidset jagunemist kahte ebavõrdsesse ossa: ülevalt ja altpoolt. Mõtlesin hetkeks, et parem on mitte panna oma pead raami sisse.

Sellest hoolimata tuli pilt kokku üsna soliidse, elava ja emotsionaalse vormiga, mida “soojendas” veelgi küllastunud värviskeem.

Pentax 645 kaamera, 75 mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, stuudiovalgus.

Tänavapildi Istanbulis 1950-60ndate reportaažide vaimus: põgus hetk, väljendusrikas pilk, ebamäärane eessõna. See stiil oli loomingulise mõtlemise vili, mis käsitles hetkeseisu tehnilisi võimalusi ilma pikema eeltegevuseta, ning selle filosoofia keskmes oli hetke mööduvus ja ainulaadsus, mööduvuse esteetika. Kahju, et kui kaamerate tehnilised anded on veelgi kasvanud ja võime jäädvustada hetk ajavoolust on muutunud enesestmõistetavaks, siis on see lakanud inspireerimast fotograafe.

Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 23mm juures Eq . 46mm , ISO 100, 1/160 c, f/4.5, kompensatsioon -1/3, ava prioriteediks.

Selles kaadris on kaks “peakangelast”: katedraali sein ja must siluett esiplaanil. Ei ole selge, kumb neist on “tähtsam”, ja see ebakindlus ongi teema pinge põhjuseks.

Huvitav on see, et kaadri vasakpoolne külg paistab veidi õõnes, kuid see peab aktiivselt vastu katsetele seda kärpida või kärpida mitmed katsed on näidanud, et parem oleks jätta kaader sellisena nagu ta on .

Pentax 67 kaamera, 90mm, mustvalge film.

Mustvalgeks konverteeritud pilt toob sageli fookusesse tekstuuri, mis on sama mitmekesine kui elu meri. Selle kooliballi ajal tehtud põgusal kaadril on semantiliseks keskmeks tüdruku tahtmatult lihaseline selg, samas kui kõik muu on tema taustaks, kui soovite – tema elupaik ja pitsid – justkui pjedestaaliks. Nii nagu saatjaskond teeb kuninga, nii teeb ka pildi keskpunkt teema, kompositsioon jne . d. ei ela ilma paljude kõrvaliste ja sekundaarsete detailideta, mis hõivavad raamis palju rohkem ruumi kui keskus ise. Seega praktiline järeldus on: ärge kiirustage ebaoluliste detailide kärpimisega, ja kui otsustate kärpida, kärpige uuesti, et näha, kas pilt on nüüd parem ja kas on kadunud mõni ilmne, kuid oluline kompositsiooniline detail. Foto: Egor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L, 70mm, ISO 1250, 1/160s, f/5, ava prioriteediga.

Arhitektuursed detailid võivad olla väljendusrikkad ja mõnikord tunduvad nad elusad – nagu siin, kus vana rooma maja müüritud aken on sajandeid suhelnud ümmarguse avaga soovin teada, mida see tähendab . Esialgne foto oli palju suurem proosalisel põhjusel: tol ajal ei olnud ma veel teleri jaoks kokku kogunud ja raamimine näitas, et parem on lõigata ring ühes tükis ja mitte liialdada akna all ja kohal oleva tühja seina proportsioonide arvutamisega…

Pentax 67, 90mm, mustvalge film.

Ateena vanade linnaosade tekstuursed seinad on fotograafile tõsiseks ahvatluseks. Nagu alati, rõhutavad must ja valge tekstuuri, ja seda on siin palju: teravad tumedad lehed, karedad seinad ja valgeks värvitud kõnniteed. Aktiivsed tasapinnad seina on iseenesest erakordselt ekspressiivsed, kuid nõuavad hoolikat “üles mängimist” koos aktsentide ja ümbritsevate detailidega. Huvitava tulemuse saamiseks on vaja harjutada ja tulemusi hoolikalt uurida.

Pentax 67, 55mm, mustvalge film.