Boris Smelov – laitmatu mainega fotograaf

Legendaarse Peterburi fotograafi Boris Smelovi looming pakub suurt huvi kunstiajaloolastele, kriitikutele, teoreetikutele, ajaloolastele ja fotohuvilistele. 2009. aastal korraldas Riiklik Ermitaaž muuseum suurima näituse tema fotodest. Ükski Petit-Borise mainimine ei jäta kedagi ükskõikseks. Miks? Oleme püüdnud sellele küsimusele vastata, tsiteerides erinevaid seisukohti, mälestusi ja vanaaegseid tsitaate Boris Smelovilt endalt.

Autoportree. 1997

Fotograaf Boris Smelovist sai juba eluajal Peterburi fotograafialegend.

– Sa tahad, et päike ja kuu, üleujutus ja lumi oleksid ühes ja samas kaadris??? Aga see on maailma lõpp?

– Jah.

Boris Smelovi ja Masha Snigirevskaja vestlusest

Nicholas Bridge. 1995

Arkadi Ippolitov

Lääne-Euroopa osakonna vanemteadur

Riigi Ermitaaži muuseumi kaunite kunstiteosed,

näituse “Boris Smelov” kontseptualiseerija ja kuraator. Retrospektiiv”

Riiklik Ermitaaž, 20. märts – 28. juuni 2009

Fotograaf Boris Smelovist 1951-1998 sai Peterburi fotograafia legend, elav klassik, keda kummardasid kõik, kes olid kuidagi seotud fotokunstiga.

Kõik tänased enam-vähem nähtavad fotograafid Peterburis on saanud temast mõjutusi. Tema loodud pilt Peterburist ei ole lihtsalt kvaliteetne foto, vaid kindlasti kõige väljendusrikkam avaldus, mis selle linna kohta möödunud sajandi lõpus tehti, avaldus, mis on Brodski luulega võrdse tähtsusega.

Tema looming on 70-90ndate aastate Peterburi kultuuri kõige väärtuslikum ja elavam nähtus., on seotud Peterburiga, on pühendatud Peterburile ja määratletud Peterburiga, kuid samal ajal on tema tööd rahvusvahelisel tasemel, sest need on võrreldavad maailma fotograafia tipptasemel näidetega.

Oboe heli. 1972

David Galloway. Varjude linn. Pisarate linn

Prof. David Galloway

kaasaegse kunsti ajaloolane,

kunstikriitik ARTnews, International Herald Tribune ,

Art in America toimetaja,

rahvusvahelise näituse kuraator,

paljude kunstiraamatute autor ja kirjastaja

Huvitav on ette kujutada, kuidas Boris Smelov reageeriks fotograafia digitaalsele revolutsioonile, mis 1998. aastal, mil ta suri, alles hakkas oma tiivad üle maailma laiali sirutama. Ühest küljest oli fotograaf alati vaimustuses uusimatest fototehnikatest ja ta kurtis sageli, kui raske oli saada uusimat varustust ja materjale Nõukogude Liidus, kus ametlikult tunnustati ainult ajakirjandus- ja amatöörfotograafiat. Sellest hoolimata olid Smelovil esmaklassilised kaamerad ja ta trükkis alati kvaliteetsele fotopaberile. Tema jaoks oli ilmselge, et tehnoloogia areng toob loomulikult kaasa kvalitatiivseid muutusi. Ühes 1988. aastal avaldatud intervjuus väljendas Smelov arvamust, et automaatkaamerate ning uute arendus- ja trükitehnikate tulek on laiendanud “loomingulist valikut, rikastanud fotograafide stiili ja isegi nende nägemust”. Kuid ta ei olnud entusiastlik ühegi uuenduse suhtes: “Kvaliteetse “kaardi” tegemine ilma intelligentsuse või kultuurita kätkeb endas ohtu, et see võib fotograafiat nüristada.”. Pole üllatav, et ta ennetas nähtust, mida paljud nägid hiljem kui eelmise sajandi lõpus kunstiturgu üle ujutanud digitaalse esteetika tagakülge: ilma autoripoolse maailmavaateta, ilma kunstniku inimliku hoiakuta on tulemused “tühjad ja külmad”.

Võtmesõnaks Smelovi mõtetes fotograafia kohta on alati “kultuur”. Kui temalt küsiti fotograafi ideaalse hariduse kohta, vastas ta, et see ei oleks tehniline, vaid pigem humanistlik – filosoofiline, psühholoogiline, kunstiajalooline. Kuigi paljude sõnul “räägivad pildid valjemini kui sõnad”, tasub märkida, et Smelov lisas oma õppekavasse võõrkeeled kui ühe tulevase fotograafi jaoks olulise õppeaine.

Tema fotod olid pühendunud meistri tunnistuseks, kes armastas Dostojevski filosoofiat, Van Goghi maale ja Mozarti muusikat, kuid luges ka Siegfried Krakaueri ja Roland Barthes’i teoreetilisi teoseid ning oli oma kolleegide tööd hinnates suuremeelne kiitusega. Tema lemmikud fotograafias olid Henri Cartier-Bresson ja Josef Sudek, kes andsid talle kõige olulisema õppetunni: “Igal objektil materiaalses maailmas on oma hing.

Fotograafi karjääri alguses tegi Smelov portreed põrandaalustest kunstnikest ja kirjanikest, sealhulgas ka endast, ning töötas mõnikord väga edukalt ka vaikimisi elustiku žanris. Tema “Vaikelu granaatõunaga” 1988 ja “Vaikelu kõverpeegliga” 1991 on selle žanri tõelised meistriteosed. Need näitavad suurepäraselt, kui hästi Smelov tundis renessansiaegseid maale.

Kuid sisuliselt oli ta linna fotograaf ja kroonik, ja mitte mis tahes linna, vaid Leningradi/ Peterburi, kus ta sündis ja suri. Ta on seega jätkanud linnafotograafia suurt traditsiooni, mis tekkis 19. sajandil selle kunstivormi tekkimisega. See oli kiire linnastumise ja industrialiseerimise aeg. Kontrast rikkuse ja vaesuse, päikesepaisteliste puiesteede ja pimedate alleede, luksuslike avalike hoonete ja räpaste üürimajade vahel oli tema fotode jaoks ammendamatu inspiratsiooniallikas.

Smelovi teos “Tuchkov Lane” 1995 näitab, et see kontrast jäi kehtima ka aastakümneid hiljem. Sellel pildil, mida iseloomustab range geomeetriline kompositsioon, näeme vana naist, kes toetub kepile ja astub ettevaatlikult mööda kitsast valgusriba, mis kulgeb paralleelselt ristkülikukujulise hoone näotu seinaga. Selle rada läbib varjulist alleed, mille taustal on mõned puud: võib-olla park, üks fotograafi lemmikmotiive. Esiplaanil olevad varjud näivad olevat puudest, mida kaadris ei ole näha. Kontrastide keel on lihtne, kuid rikkalik ja väljendusrikas: valgus ja pimedus, arhitektuur ja loodus, inimene ja anonüümne linnapilt. Teistes töödes, sealhulgas sellistes süngetes sketšides nagu “Mees ämbriga” 1974 ja “Müür” 1975 , ei ole loodust, vaid ainult sünge labürint, kuhu on karjatatud nähtamatud elanikud… Tuleb meeles pidada, et need tööd kuuluvad Smelovi loomingulises biograafias eriti tähtsasse ja sündmusterohke perioodi, mil ta sai oma esimese avaliku tunnustuse, kuid samal ajal hakkasid teda jälitama ametivõimud, kes 1975. aastal sulgesid tema näituse kultuuripalees “Viiborgi” ja konfiskeerisid seal eksponeeritud teosed.

Smelovi linnapiltidel on suhteliselt vähe inimfiguure ja need inimesed, kes esinevad, nagu näiteks pildil “Kaks figuuri tagalas” 1971 , on tegelikult nimeta statistid, keda kunstnik ilmselt huvitava valguse ja varju mängu tõttu ligi tõmbab, kuid mitte üksikisikutena. “Silver Boy” 1995 on silmatorkav erand reeglist: selles kompositsioonis on inimfiguur tõeline keskpunkt. Enamik Smelovi fotodel esinevatest figuuridest ei ole inimesed: need on kalmistu kivipatsid või skulptuurid, mis kaunistavad purskkaevu või silda, nagu näiteks kentaur, mis nii elegantselt balansseerib fotodel “Pavlovsk, kentauri sild I” 1975 ja “Pavlovsk, kentauri sild II” “Pavlovsk, kentauri sild II”, 1994 . Huvitav on märkida, et hilisem töö rõhutab looduskeskkonda, samal ajal kui skulptuur ise on peaaegu täielikult varjusummutatud.

Smelovil on ka geomeetrilise abstraktsiooni piiril olevaid arhitektuurilisi uurimusi. Läbi akende kaldpidi langev valgus, valguse ja pimeduse vahelist piiri ületavad kaared, keerdtrepid ja balustrid – need motiivid köitsid kunstnikku ilmselt just nende kuju tõttu. Smelov, kes oli huvitatud kaasaegsest filosoofiast, nägi neis siiski võib-olla mõningaid eksistentsiaalseid konnotatsioone. Nendes Peterburi linnapiltides valitseb salapärane ja melanhoolne atmosfäär, osaliselt seetõttu, et Smelov pildistas harva täielikus päikesevalguses. Mõnikord näeme piltidel õhtu kahvatut valgust, kuid Smelovile meeldis kõige rohkem varahommikune valgus, kui päike alles hakkas eemaldama udu kalmistu, silla või mänguväljaku kohal… Varjud on neil hommikutundidel pikad ja sügavad, nii et valguse poolt esile tõstetud detailid paistavad eriti hästi välja. Kui me vaatame Smelovi fotosid, siis ei näe me Leningradi/Petseri mitte valguslinnana, mida Peeter Suure arhitektid silmas pidasid. Kogu selle linna hiilguse juures on see ka varjude ja – sageli – pisarate maailm. Artiklis “Pärast Raskolnikovi: Eesti fotograafia tänapäeval” kirjutab kriitik John P. Smedelin. Jakob nimetas Smelovit “vaimse esteetilisuse koolkonna meistriks”. Tõepoolest, sari “In memoriam Dostojevski” võiks olla omamoodi lugu kogu selle hämmastavalt andeka ja fotokunstis eriliselt silmapaistva kunstniku loomingust.

Heinasild. 1993

Boris Smelov. Intervjuudest aastate jooksul

See vajab salapära

Nõukogude foto. 1988. № 10.

– Mida te mõtlete hea õnne ja halva õnne all??

– Minu suurimad ebaõnnestumised on alati olnud fotograafia tehnilised aspektid, käsitöö, kui ma kannatamatuse ja kirevuse tõttu kaotasin pöördumatult parimad kaadrid kas välitingimustes või laboratooriumis. Õnn on loominguliste kavatsuste kokkulangemine, “ettekujutus löögist” koos lõpptulemusega. Üldiselt pean end emotsionaalseks, intuitiivseks fotograafiks ja pildistamisel usaldan oma tundeid rohkem kui esialgseid ideid. Aga samal ajal – ärge pidage seda müstikaks – ma unistasin paljudest fotodest ja siis, aastaid hiljem, nägin neid oma silmaga… Mul oli õnne, et mul oli sellistel hetkedel kaamera ja film kaasas.

– Mida saab ja peab teie arvates tegema, et vältida “isikupärast” fotograafiat?

– Meil on tänapäeval tõsine puudus tõsisest fotograafiateooriast. Noore, värske energia sissevoolust ei ole peaaegu mingit tunnet.

Fotograafide hariduse küsimus tundub mulle äärmiselt oluline. Ma ise olen selle puudumisest vanuse kasvades üha enam ja enam valusalt teadlik. On huvitav, et enamikul tänapäeva fotograafidest on tehniline taust, kuid kasulikum oleks vabade kunstide taust: filosoofia, psühholoogia, kunstiajalugu ja muidugi võõrkeelte oskus… Lõppude lõpuks peab inimene suutma hõlpsasti kunstiajaloos orienteeruda, et luua uut ajalugu. Kunstnik peaks tundma minevikku ehk isegi paremini kui olevikku, mida ta intuitiivsel tasandil tajub. Autori kultuur avaldub alati ühel või teisel viisil tema loomingus. Ja ma arvan, et ilma armastuseta Dostojevski filosoofia, Van Goghi maalide või Mozarti muusika vastu ei oleks mitte ainult mina, vaid ka minu töö vaesem.

– Ja üks viimane küsimus. Kas on olemas mingi kvaliteet, mida edukas foto peab tingimata omama??

– See on olemas. Selles peab olema mingi saladus. Vastasel juhul läheb selle mitmekordne tähendus kaduma.

Linna kuvand

Subjektiivne. 1995. № 1.

Linn domineerib minu fotograafias, kuigi viimasel ajal olen selle elavdamiseks ja ainult sel põhjusel pööranud üha rohkem tähelepanu linna inimestele. Ma pildistan infrapuna erifilmil. Varem olin pildistanud kõrge tundlikkusega emulsioonide ja punaste filtritega, et saavutada Peterburi dramaatilisus, tihedus ja kontsentratsioon. Infrapunafilm paelub mind, sest see annab uue kvaliteedi ja täiesti erineva graafilise efekti. Pildistamise raskuseks on see, et sa ei saa ekspositsioonimõõtmist õigesti teha. See kile on mõttetu automaatikakaamerates, kus tundlikkus on sisestatud. See ongi selle töö ilu: lisad veel ühe parameetri ja mõnikord ei tea, mis juhtub, hoolimata aastatepikkusest kogemusest. Mida kaugemale elatakse, seda vähem mõistetakse valguse mõju emulsioonile. Me oleme harjunud soojuskiirgust ignoreerima, kuid siin mõjutab subjektide temperatuur üldist ekspositsiooni, kuid seda mõju ei ole absoluutselt võimalik mõõta. Loomulikult pean tegema duplikaate, kuigi kahju on kallist kraami tõlkida. Veel üks eripära: sellise filmi korralik fookustamine erineb tavalisest filmist. Taevas muutub väga tumedaks, rohelised värvid muutuvad heledamaks, see näeb ebatavaline välja. Ja seepärast ongi vaja spetsiifilist lähenemist kompositsioonile, mis võtab arvesse kõiki neid eripärasid.

Infrapunafilmile pildistamine aitab mul rõhutada linna teatavat kosmopoliitsust, selle objekte, selle eepilisust, tähtsust, traagilisust… Ja tavalise filmiga uduse ilmaga tehtud pildid, võttes arvesse taustade piiratust või puudumist, tegelikult ainult esiplaanil ja see õrn pärlendav hallus rõhutavad teatud lokaalset lüürikat. Aga ma pean ütlema, et mõlemal juhul valitseb minu fotograafias romantiline lähenemine.

Minu maja

Ühe 1993. aasta intervjuu põhjal. raamatu “Winter Petersburg” 1997 kirjastajale.

– Kui kaua te olete üldiselt ja ka talvel pildistanud??

– Tõenäoliselt mitte, sest ma külmutasin oma käed ja jalad ära kolmeteistkümneaastaselt.

– Mida oskate nimetada talvise tulistamise eripäradest?

– Külm, kui temperatuur langeb järsult ja objektiiv udustab teie jope all ja isegi korpuses, nii et enne pildistamist vaadake oma kaamera objektiivi külgvaates üle!

– Mis on Peterburi linna ja eriti talvise pildistamise juures nii ahvatlev??

– Karedad – ei ole mustust. Peenemalt öeldes on kõik see, mida kõik Euroopa arhitektid kavandavad ja muide ka kehastavad… Talv on kindlasti nagu Neeva jõgi üleujutuse ajal – kuid teises mõttes.

– Milliseid hetki talvisest pildistamisest mäletate?

– Talvine katusemurdmine: õnnestus nagu kassil läbi katuseakna, aga võib-olla asjata..

– Mida fotograafil on pakkuda pildistamiseks talvel?

– Ma arvan, et siin tuleks konsulteerida “Team Cousteau’ga”. Oleks tore, kui neid saaks ka Neva! Tõsiselt öeldes on kingad need, mis loevad. Valentini saapad on OK, aga mitte nii väga. Miks? Täiuslik maastikul, aga ütleme, et katusel ei lisa teie kramplik jalg teie osavust.

– Kas sa lavastad pilte või loodad lihtsalt juhusele??

– Intuitiivne juhtum, kus lumi, mööduja, sild, maja ühinevad muutumatuses, mis on saatus.

– Kes on fotograafia meistrid, kes on teid mõjutanud??

– Intiimne asi. Selles mõttes, et selle lavastamine tähendab keskmisele inimesele – kellega sa sarnaned?? Kui selle eest, siis ma ostan selle, aga teise eest ootan, kuni sa ise oled surnud.

Näituse kataloogist “Boris Smelov. “Retrospektiiv” Riiklikus Ermitaažis

20. märts – 28. juuni 2009.

Soovime tänada Boris Smelovi sihtasutust esitatud tekstide ja fotode eest.

Ermitaažis toimunud näituse jaoks anti välja album pealkirjaga Boris Smelov. Retrospektiiv” KERBER Publishers, 448 lk., Eesti ja inglise keeles, 3500 eksemplari., müüakse kõikides Euroopa ja USA kunstiraamatupoodides .

Hapukuse armastaja. 1975

Täpilised liiliad. 1987

Silver Boy. 1995

Kutsikate müüja. 1972

Florensky perekond. 1981

Valge kass. 1993

Vaata alla. 1975

Fontanka talvel. 1987

Foto: Boris Smelov