Fotobiennaal on Eesti suurim fotofestival. See toimub iga kahe aasta tagant vaheldumisi multimeediakunstimuuseumi endine Tallinn fotokoda korraldatava näitusega “Mood ja stiil fotograafias”. Fotobiennaal toimus 2012. aastal 9. korda ja publik nägi enam kui 60 eksponaati. Kõik need pidid korraldajate kontseptsiooni kohaselt olema “kokku köidetud” kahe teemaga: põhiteema “Fookus – USA” 2012 oli kuulutatud USA aastaks Eestil ja Eesti aastaks USAs , samuti “Filmitegijad – fotograafid ja fotograafid – filmitegijad”.
Chris Marker. Filmist “Korealased”, 1957
Kunstniku ja Peter Blumi galerii, New York, loal
Erinevalt varasematest aastatest näiteks 2008. aastal, mil Tallinnsse toodi Andreas Gursky retrospektiiv ja “Primrose” – MDFi kuraatorite koostatud särav ekspositsioon värvifotograafia ajaloost Eestil , ei olnud see 2012. aasta fotobiennaali peamine tipphetk. Üldiselt jättis see aasta vastupidiselt festivali tavapärastele “sünnimärkidele” näiteks ebamäärased teemad ja ühtse kontseptuaalse raamistiku puudumine erilise “hägususe” mulje, justkui oleks korraldajate huvi idee enda vastu ammendunud… See ei süüdanud – ja seda märkisid paljud – tavapärast loomingulise innukuse energiat ja entusiasmi fotoaarete esitlemisel. Sellegipoolest oli ka seekord näha huvitav valik lääne kunstnike näitusi, sealhulgas kaasaegse kunsti piirialadel tegutsevate kunstnike näitusi. Need olid ehk praeguse fotonäituse tugevaim külg.
Modernsus ei ole, nagu te teate, lihtsalt sõna, millega kirjeldatakse meie olevikku nii rääkisid inimesed oma ajast 16. ja 18. sajandil . Modernsus on eriline etapp kultuuri arengus, kus traditsiooniline ühiskond lammutatakse, kõik uuenduslik väärtustatakse ja linnakeskkond muutub pideva muutuse kogukonnaks. Ameerika kultuur on siin midagi olulist sümboliks: see on alati olnud “modernsuse” esirinnas, nii positiivses kui ka negatiivses mõttes. Seetõttu ei ole üllatav, et “tänapäeva probleemide” esitamine on nii tabavalt kõrvutatud “Ameerika teemaga”. Eesti jaoks, kes on oma rahutu ajalooga, oma pideva sooviga jõuda kõigile teistele järele ja neid ületada, oma vägivaldse moderniseerimise koletusliku kogemusega ja samal ajal oma igavese sooviga langeda välja progressist ja jäätuda “kogukonna” ja “kollegiaalsuse” sisse, on see ehk üks kõige pakilisemaid mõtteid, mille üle järele mõelda…
Nii erinevate autorite nagu Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei ja Alec Sot projektid on kõlanud üheainsa sidusa mõttekäiguga antud teemal.
Üks neist on Shore’i “Amazing Places. Olles seitsmekümnendatel aastatel Ameerikat läbi reisinud ja avaldanud 1982. aastal raamatu “Uncommon Places”, sai Shorist mitmete kontseptuaalse ja dokumentaalfotograafia kõige aktuaalsemate suundumuste pioneer. Tema igapäevase elu kõige lihtsamate stseenide ülesvõtteid loovad silla tema loomingu ajastu aktuaalsuse ja meie aja vahel: sõjajärgne maantee- ja tänavafotograafia, tõsise huvi sünd värvide vastu siin on Shori nimi nimetatud William Eglestoni kõrval , Becheri “erapooletu” uurimuslik foto, mõju Nan Goldinile, Andreas Gurskyle ja Martin Parrile ning praegune huvi banaali kui kunstilise vastu…
Parr oli kohal oma kuulsa projektiga “The Last Stand”. New Brightoni fotod 1983-85.”. Kuigi pressiteates öeldakse, et seeria on “The Guardian’i ajalehes loetletud kui üks “1000 kunstiteost, mida pead nägema enne surma””, tekitas see esialgu väga erinevaid reaktsioone. Osa publikust võttis seda kui teravat ja õelat poliitilist satiiri, teine osa aga kui pilkamist töölisklassi üle, kes veedab aega Brightonis asuvas kuurordis inglise keeles on siin muidugi sõnamäng: sõna resort tähendab nii “varjupaika” kui ka “kuurort” . Parri pilk ühendab endas külmalt distantseeritud viha poliitikute alandamise suhtes? nende inimeste rumalusele, kes manipuleerimisele alluvad? ja imetledes värvi, tekstuuri, ilu igapäevase.
Parri töö kajastab Taryn Simoni koostatud näitust “Fotograafia ja tekstid”, mida näidati festivali alguses, enne selle ametlikku avamist. Eriti tugevat muljet avaldavad pildid kahest projektist: “The Innocent” 2003 ja “American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . Esimeses, portreed inimestest, kes on süüdi mõistetud kuritegudes, mis põhinevad võltsitud isikutel fotodelt. DNA-testid päästsid potentsiaalsed kurjategijad hukkamisest või eluaegsest vangistusest, kuid paljud istusid 10-20 aastat. “Ameerika kataloog” – Fotoseeria objektidest, mis on Ameerika elu alustalad ja nurgakivid, kuid jäävad tavakodaniku ja vaataja jaoks “nähtamatuks”: Tuumajäätmete ladustamise keskus, krüoonika instituut, kus külmutatud ja äratõusmist ootavaid surnukehi hoitakse spetsiaalsetes kapslites, CIA peakorter, mis varjab silmade eest kaasaegse kunsti püsinäitust, mille mõned žanrid on säilitatud “Ameerika eluviisi” edendamiseks jne. jne. jne. Teadlikult “neutraalsel”, “uurival” viisil tehtud ja üsna pikkade tekstidega varustatud tööd teevad Simoni tööd nähtavaks tundmatut, sealhulgas propagandat ja ideoloogiat, uurides lõhet kujutlusvõime, fiktsiooni, manipulatsiooni ja tegelikkuse vahel. Ja ka teksti ja visuaali vahel. Simon uurib fotograafiat kui kaasaegse elu tagapõhja, osutades selle rollile meie teadvuse ja alateadvuse konstrueerimisel.
Liu Bolini “Nähtamatu mees” on näitus, millest saab nii pehme, kuid väga konkreetne kommentaar Hiina poliitilisele ja sotsiaalsele elule ja maailma suurtele probleemidele üldiselt kui ka üllatav mõtisklus fotograafia olemuse üle, globaalse visuaalse kunsti erinevate strateegiate ja tüüpide, optiliste illusioonide ja tajumise seaduste uurimine…. See, mis paistab lähedalt fotona, kus iga detail on nähtav, näib eemalt olevat hieroglüüf, kus kõik “kriipsud” ja “märgid” sulavad kokku üheks pildiks ja inimene ehk autor lihtsalt kaob ära.
Sothi “Halastamatu ilu” tundus õnnetu kuraatoriprojektina, mille valik ja paigutus hägustas ühe meie aja huvitavama kunst-dokumentaalkunstniku loomingu kogemust. Soth annab oma loomingule jutustaja ja raamatusarjade loojana kummalise kvaliteedi, mida oleme juba näinud Simon ja Bolinh puhul – irooniline fotograafia kui “meediumi” õmbluste uurimine, pealegi üsna filmilik, surudes kogu filmi ruumi energilisse, keerulisse üksikkaadrisse.
Alates Shore, Parr, Simon, Boligny ja Sothi piltidest läbib fotobiennaali teisi projekte, kogudes ja õmmeldes kokku selle struktuuri. Ühelt poolt on tegemist “arhiivi-” ja ajalooliste näitustega ning teiselt poolt erinevate kunstivormide ühendamisega, mida seekord esindavad peamiselt tekst, fotograafia ja kino.
Esimeste projektide hulgas oli suur näitus pealkirjaga New York City. 1983-1993″ Hiina kunstnik Ai Weiwei. Ajakiri Art Review nimetas Ai Weiwei “kõige põnevamaks” oma iga-aastases “mõjukate kaasaegsete kunstnike” nimekirjas, kuni viimase ajani oli ta ametlikult tunnustatud autor ja temast sai 2008. aastal üks Hiina opositsiooni sümboleid. Kunstnikku peksti pärast seda, kui ta toetas Sichuani maavärina, sealhulgas ehitussektori korruptsiooni sõltumatut uurimist; seejärel arreteeriti ta, tema ateljee hävitati ja disainifirma vastu algatati maksudest kõrvalehoidumise menetlus. Inimesed on kogunud 1 miljon liitumise teel. Projekt ise, mida näidati Fotobiennaalil 2012, oli aga loodud juba ammu enne neid sündmusi. Näitusel on umbes 200 fotot New Yorgi linnast 10 000 fotost , sealhulgas New Yorgi linna käsitlev eriosa. . See on omamoodi reisikiri, kuid mitte käsitsi, vaid kaameraga ja sellest saab põhjalik entsüklopeedia kohalikust elust. Ai Weiwei projektis on nii imestus läänemaailma üle, üksikasjalik dokumentatsioon kohtumistest kunstnikega, sealhulgas kuulsate fotograafidega nagu Robert Frank, kui ka lihtsalt igapäevased stseenid, sealhulgas immigrantide elu. Teisest kultuurist ja teisest esteetilisest traditsioonist pärineva võõra hämmastava pilguga pilk märkab ja säilitab paradoksaalselt midagi põhilist, sisulist ja olulist New Yorgis, paljastades samal ajal fotograafiliselt varasemaid visuaalseid kihte, mille kultuur ise oli jõudnud unustada.
Fotobiennaali ajalooline kiht sisaldas veel vähemalt kolme huvitavat näitust: Walter Rosenblumi “From the Heart” Hine’i ja Strand’i õpilase “sotsiaalne” dokumentaalfilm , Lee Friedländeri “America as seen from the car” üks tänavafotograafia pioneeri viimaseid projekte, must-valged peegeldused Ameerikast tahavaatepeeglis, hämmastavad ristpildid igapäevastest stseenidest ja ootamatutest vaatenurkadest ning New York City Hine’i ja Strand’i fotonäitus . 1955″, mille tegi kunagi kuulsaks William Klein rikkudes Cartier-Bressoni ettekirjutust “nähtamatu fotograafi” kohta, loobudes tehnilisest täiuslikkusest spontaansuse kasuks ja 27-aastase autori vastu esitatud skandaalseid süüdistusi, et ta näitas ameeriklasi liiga ebameeldivana ja New Yorki slummilinnana .
Siinkohal tuleks viidata ka kahele äärmiselt huvitavale “arhiivinäitusele”: “The Art of the Archive. Fotod LAPD arhiividest ja Doug Menuzi raamatust “Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000”. Eelkõige tunduvad mõlemad näitused olevat huvitavad materjali enda, toimuva dokumenteerimise poolest. Lähemal vaatlusel tõstatavad nad aga küsimuse, mida on fotograafia ajaloos palju kordi tõstatatud – selle registreerimise, sotsiaalse ja kunstilise komponendi vahelise raskesti eristatava piiri kohta.
“Art of the Archive” tutvustab umbes 100 fotot, mis on tehtud 1920ndatest kuni 1950ndateni; negatiivid leiti juhuslikult 2001. aastal. Küsimused üleastumise ja vastuvõetava piiride kohta, selle kohta, mil määral tuleks paadunud ekspertide ja kriminoloogide publikule mõeldud pilte tuua tavalise vaataja ette, ning ebateadlike esteetiliste tendentside kohta, mida kunstnik kas leiutab või õhust üles korjab, kerkivad esile, kui vaadata neid pilte kuritegude toimumiskohtadest, tõenditest, ohvritest, mõrtsukatest koos röövlite ja laipadega… Te tabate end mingil hetkel veidralt, et see kõik on kuidagi vähem šokeeriv kui mõned Joel Peter Witkini tööd ja siin on näidatud päris asja, mitte midagi kunstniku poolt spetsiaalselt ümbertöötatut . Ilmselt seetõttu, et “arhiiv-reportaaž” pilt tajutakse jätkuvalt liiga tuttava taustaga ka näitusel.
Iga Doug Menuz’i foto fotograaf on neid teinud üle 15 aasta on varustatud üksikasjaliku kommentaariga erinevate Silicon Valley projektide ajaloost ta alustas koostööd Steve Jobsiga . Kuid kogu sarja on raske nimetada ühtseks jutustuseks. See on pigem lugude kogumik, milles visuaalne ja verbaalne mängivad võrdset rolli. Kaarte sirvides mõistate üha enam, et tegemist on enama kui lihtsalt ajalooraamatuga. Tasapisi tekib üllatavalt ühtne pilt sellest, kuidas Ameerika kultuur toimib ja miks innovatsioon selles nii hästi juurdub. Siin on ka otsene kaja Kleini ja Cartier-Bressoni “ideoloogilisele” vaidlusele fotograafi mitte osalemise ja mitte nähtavuse üle toimuvas: Menyes oli “kaasatud vaatleja”, kes veetis oma tegelastega sõna otseses mõttes päevi ja öid… Ta kirjeldab oma projekti kui “visuaalset antropoloogilist otsingut”.
Arhiivi ja ajaloo teemale andsid kaasaegse pöörde veel kaks biennaali näitust: “The Artist with the Bad Camera” Miroslav Tikhoy fotod ja John Ruffmani “Nine Eyes of Google Street View”. Need näitused näivad jutustavat kahte väga erinevat, mõnevõrra vastandlikku lugu. Üks neist räägib tšehhi avangardistlikust kunstnikust, kes on totalitaarse riigi poolt marginaliseeritud. Teine räägib kaasaegse tehnoloogia kõikehõlmavast, depersonaliseeritud, kuid ootamatult isiklikust vaatepunktist ja selle tekitatud tohutust infomürast, mis takistab privaatsuse, distantsi ja üksinduse idee realiseerimist. Kuid mõlemad tõstatavad küsimuse õhukesest piirist toore ja tehniliselt ideaalse, amatöörluse ja käsitöö, kunstnikutundlikkuse ja hullumeelsuse, kunsti ja esteetilise “prügi” vahel.
Mis puutub kinematograafiasse, kas selle kaksikvend või fotograafia laps, siis see oli fotobiennaalil esindatud mitte ainult projektides, mis olid otseselt pühendatud teatavatele režissööridele näiteks kaks näitust Ingmar Bergmanist . Isegi dokumentaalfilmi “sirgjooneline” välimus osutus “filmilikuks”. Peter Hugo hämmastav ja kestev projekt “Hüääna ja teised” püstitab seega küsimuse sunnitud näitlemisest ja mängimisest, loomulikust ja kunstlikust sotsiaalses maailmas kumb on olulisem: lõpetada loomade piinamine või pöörata tähelepanu vägivaldse vaesuseni? . Ootamatuid pilte teemast kuuldi isegi “Los Angelese arhiivis”, kui selgus, et politsei fotograafid tegutsesid kuuajaliselt näitlejatena maailma ühe “kõige filmilisema” linna stuudiote castingutes ja imiteerisid film noir’i žanri.
Fotograafist saanud filmitegija või režissöörist saanud fotograaf on kahekümnenda sajandi autori tavaline tee. Oleme juba harjunud festivali püsikülalisega Sarah Mooniga, kes sel aastal esitas oma järgmise projekti “Must ratsahabe”. Wim Wendersi “Pildid maa pinnalt”, uue saksa filmi põhitegelase fotoseeria, mida režissöör alustas 1980ndate alguses ja mis jätkub tänaseni, on omamoodi “visuaalne haiku”. “Moody” ja “atmosfäärilised” suureformaadilised värvipanoraamid, mis meenutavad Wendersi enda filme ja Becheri õpilaste tööd, dokumenteerides värvi kui elu voolu ja tühjuse kui mõiste piire. Nagu Chris Markeri, filmitegija, fotograafi ja filosoofi pilte, tabab see ühe kaadri sisse pakitud narratiivi keerukus, mille taga on mõistatus pidevast ajavoolust ja teise loo fragmentide kuristikust. Tallinns nägime korraga nelja Markeri sarja ja mitut filmi. “Korealased” 1957 , mustvalge klassika, mis on tehtud Põhja-Korea reisi ajal. Mis kell on??” 2004-2008 – hägusad pilgud “heatahtlikust paparatsist”, kes peidab Pariisi metroos oma kaamerat käekellasse: naerab millegi peale, mis on peidetud väljaspool kaadrit, mõtlik pilk küljele ja eemale, millegi peale, mis on väljaspool pildiraami. “Based on Dürer” on installatsioon, mis pöördub tagasi iidsete gravüüride juurde, “Silent Cinema” 1995 ja “Empty People” 2005 on veel kaks installatsiooni, mis käsitlevad ajaloo mittelineaarsust ning pildi, teksti ja tähenduse kõrvutamist. Ja lõpuks “Runway” 1962 , fotopiltidest koosnev film, mis rekonstrueerib aja eraldi komponentideks ja paralleelseteks ruumideks ning jutustab peategelase eksistentsi lugu kolmes ajalises kihis.
Mis puutub festivali Eesti “segmenti”, siis see traditsiooniliselt “vajub” võrreldes lääne show’dega. Huvitavaid ekspositsioone oli siin vähe, ja isegi Harry Gruyere’i Tallinn kogemus “Tallinn 1989-2009” oli huvitavam tekstides kui fotodel.
Näituste hulgas tuleks kindlasti mainida Aleksander Sliussarevi “Valitud tööd” – ainult mustvalged tööd aastatest 1966-1993., kõik autori väljatrükid, enamasti perekonnaarhiividest. See näitus üllatas meeldivalt oma suurepärase kuraatoritöö ja läbimõeldud valikuga, mis ühendas juba tuntud ja uut.
“Arkadi Šaikhet. Jätkub. 1928-1931”, näitus, mille on võtnud Maria Zhotikova-Shaykhet, kuulsa fotograafi lapselaps, tekitab üsna huvitavat tunnet. Vaatamata sellele, et peaaegu igas kaadris on ilmselgelt olemas sotsialistliku majanduse hümn: uued majad, paberivabrikud, tööstusrajatised, – Shaikheti piltidel on arusaamatult näha ja kõigi saavutuste all: uue riigi poolt päritud vaesus ja ebainimlik surve samale rahvale… Ja ka tavaline, igapäevane eraelu, mis võitleb läbi igasuguse rõhumise – isegi riigi rõhumise, mis on võtnud eesmärgiks muuta inimloomust. Selles mõttes on Kesk-Aasiast pärit pildid eriti huvitavad. “Ajamasin. Värv 1930-1970, Vladislav Mikosha – kaja “Primaariumi”. 2009. aastal oma sajandat sünnipäeva tähistanud operaator, fotograaf, sõjareporter ja nõukogude elu kroonik, keda siin näidatakse kui üht värvilise filmi pioneeri…
Filmiteema “Eesti osa” oli esindatud Aleksander Sokurovi filmi “Russian Ark” kümnenda aastapäeva projekti ja näitusega “Interjöör”. Natura. Vladimir Mišukovi “Paviljon” fotod Andrei Svjagintsevi filmi “Elena” filmivõtetest . See on ehk kõik – ja siis on veel mitme suure kaasaegse kunstniku väikesed näitused Tallinn galeriides.
Kokkuvõttes jätab festival määratlemata järelmaitse. Festivali lõpus hakkab mõtlik kriitik, värskendades oma mälu kõigist projektidest, äkki nägema: Fotobiennaal näitab meie aja pöördelisi suundumusi, see kujutab endast tõesti laiaulatuslikku terviklikkust. Lisaks oli, nagu alati, palju häid väljapanekuid lääne autoritelt ja lääne kuraatorite poolt tehtud MDF on alati olnud suurepärase tunnetusega valmis toode, mis tuleks Eestile tuua . Samal ajal aga jätavad näitused ise pidevalt ja harjumuspäraselt mulje kaosest ja lagunemisest üksikuteks tükkideks, selge struktuuri ja selgelt määratletud üldkontseptsiooni puudumisest, samuti Eesti spetsialistide küpsest ja elavast kuraatoritööst ning selgest arusaamast Eesti kultuuri kohast globaalses protsessis…. Ma ei ole üldse kindel, et enamik vaatajaid, kes ei tegele 24/7 globaalsete kunstisuundumuste analüüsiga, suudavad “kõik kokku siduda”. Seda enam, et sel aastal tuli tegeleda mitme autoriga, keda oli üsna raske omaks võtta ja kes ei olnud meie kultuuri jaoks eriti orgaanilised. Ja ma ei tea, mitu korda pean veel ütlema, et on aeg edasi minna, ja kas see sõnum võetakse kuulda või jääb festival samasse kohta, kaotades järk-järgult oma publiku huvi.
Ai Weiwei. Restoran Lower East Side’is. 1988
© Ai Weiwei. Kolm varju Fotokunstikeskuse viisakus
William Klein Neli naist, supermarket, 1955 © William Klein
Vladimir Mišukov Andrei Svjagintsevi filmi “Elena” võtetel
Doug Menyes Fearless Genius: digitaalne revolutsioon Silicon Valley’s 1985-2000.
Steve Jobs räägib kümnendi pikkusest tehnoloogia arengutsüklist. Sonoma, California, 1986
Tundmatu autor Naispolitseinikud harjutavad laskmist lasketiirus. 1968
© Los Angelese politseiosakond Fototeka Los Angelese politseijaoskond
Ingmar Bergman filmi “Fanny ja Alexander” võtetel
Fotograaf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet
Liu Bolin Urban Camouflage Series – 36, 2007
“Koguge oma mõtteid, et parandada oma teadmisi” © Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing loal
Liu Bolin Urban Camouflage Series – 16, 2006
Kodanik ja politseinik nr 2 © Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing loal
Harry Gruyere Eesti. Tallinn. Winzavodi piirkond. 2009
© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS
Vladislav Mikosha Tallinn. 1960-e
Stephen Shore Ginger Shore,
Causeway Inn, Tampa, Florida, 17. november 1977
Mis on sinu arvamus Fotobiennaal 2012 kohta? Milline oli selle aasta festivali üldine kvaliteet ja millised näitused või kunstnikud sulle eriti meeldisid? Kas soovitad festivalil külastada järgmist korda?
Minu arvamus Fotobiennaal 2012 kohta on väga positiivne. Festivali üldine kvaliteet oli silmapaistev ning näitused olid mitmekülgsed ja huvitavad. Mulle meeldis eriti kunstnikud, kes kasutasid kaasaegseid tehnikaid ja lähenemisviise fotograafias, luues nii väga mõjuvaid ja kaasahaaravaid teoseid. Soovitaksin kindlasti festivalil külastada järgmist korda, sest see pakub avastamisrõõmu kõigile fotograafiast huvituvatele inimestele ning avardab silmaringi kunstimaailmas.
Kas saaksite jagada mõningaid täpsemaid üksikasju Fotobiennaal 2012 fotofestivali kohta? Millised olid selle peamised teemad või esilekerkivad kunstnikud? Kas festival oli edukas ja kas sellel oli oluline mõju Eesti fotokunstile? Olen huvitatud saama rohkem teavet selle põneva sündmuse kohta. Aitäh!