Mõistmatu Aleksander Kitajev ja tema Peterburi

Aleksander Kitajevi näitus Vendade Lumière’i fotokeskuses oli tõeline sündmus Tallinn kultuurielus. Kitaev on üks Peterburi juhtivaid fotograafe, paljude projektide korraldaja ja kuraator ning viimasel ajal ka fotograafia ajaloolane. Peterburi fotograafiliste jäädvustuste ajaloos alates Ivan Bianka ajast kuni tänapäevani on ta vaieldamatult hõivanud oma koha Linna jäljendamatu pildi loomisel. Kitaevi peamist ja lemmikteemat, Peterburi, kujutati esmakordselt nii suures mahus. Näitus sisaldab 130 originaaltööd, mida autor on loonud veerandsajandi jooksul.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev aastate jooksul antud intervjuudest:

“On olemas selline asi nagu “multi-tasker”, mis tähendab kedagi, kes on omandanud mitu ametit. Ma olen fotograafia puhul natuke sõnatsepp.

“Minu kutsealane kreedo on kujunenud aastatepikkuse kogemuse käigus: “Ära kunagi tee seda, mis on täna nõutud”. “Ma pean päevast päeva tööd korralduseks, vägivallaks vaba loovuse vastu, mis peaks vastama ainult hinge sisemistele liikumistele.

“Ühel hetkel sain aru, et fotograafia on neelanud endasse kõik muu, et lisaks punastele ja valgetele veriosakestele koosneb mu veri valgustundlikest hõbehalogeniididest ja et ma ei ole elujõuline ilma nende pideva tajuta, et fotograafia on muutunud minu eluviisiks, minu tajumise ja suhtlemise viisiks. See oli umbes 1987.

“Kaamera peab muutuma käe pikenduseks ja vabastama pea, et see saaks täielikult pildi loomisse sukelduda.”.

“… Peterburi on minu jaoks ajatu ja ma püüan jäädvustada linna kui inimese muutumatut vaimsust. Ta on vastuoluline, see inimene”.

“Portree ei kao kunagi, sest iga inimene sellel planeedil huvitub eelkõige iseendast, asjaoludest, mida ta pakub või eeldab. Teine asi on see, et portree ei sobi tänapäeva kunsti rafineeritud intellektuaalsete ja formaalsete postmodernistlike mängude juurde. Paljude kunstnike jaoks on nüüd oluline karjuda võimalikult valjusti: “Mina olen kunstnik!!!”. Ja see ei hooli isegi sellest, kas on kaja. Ja portree puhul on kunstnik alati teisel kohal, tegelane on esikohal. Ja portree on adresseeritud vähemalt homseks. Ja portreepildistamine eeldab vähemalt käsitöö oskust, koolkonda. Kõik see ei ole kaasaegse kunsti jaoks “aktuaalne”. Seepärast hoiduvad paljud kunstnikud tänapäeval portreede maalimisest. Ma olen tagalas. Minu jaoks on “asjakohasus kunsti suhtes vandesõna.

Alexander Kitaev.Foto: Stanislav Tšabutkin.

Moika jääpaisjärv. 2003 g.

– Aleksander, viimastel aastatel olete oma näitustegevust drastiliselt piiranud, teie isikunäitused on muutunud haruldaseks, nagu puhkuseks. Milliseks on see näitus teie jaoks muutunud??

– Oli tõepoolest aeg, mil mul oli igal aastal mitu isikunäitust, rääkimata osalemisest kümnetel grupinäitustel. Ma pildistan palju, ma trükin palju ja ma tahan, et inimesed näeksid minu töö vilju. Nüüd tegelen ma üha enam fotograafia ajalooga ja õpetamisega. Mul on üha vähem aega oma näituste korraldamiseks. Aga kui mulle pakutakse näitust ja tingimused on vastuvõetavad, võtan ma selle vastu. See näitus koosneb mitmest fotoseeriast ja -tsüklist mineviku fotodest. Kõik need seeriad olid mingil moel minu elu etapp, kuid neid ei eksponeeritud kunagi kõik koos. Seda näitust saab vaevalt nimetada kokkuvõtteks, vaid pigem retrospektiiviks.

– Te olete kindlasti üks kuulsamaid Eesti fotograafe. Kas selline populaarsus on nauditav ja kuidas sellega elada??

– Mõiste “kuulus” vaevalt kehtib fotograafi kohta. Inimesed objektiivi taga on väga harva paremini tuntud kui inimesed objektiivi ees. Võib-olla on see selle elukutse eripära. Kuidas saab mitte mõelda arhitektidele?? Nende kunstiteosed on alati meie silme ees, me kõik imetleme ja naudime neid, kuid väga vähesed mäletavad nende nägusid või nende loojate nimesid. Fotograafidega on sama lugu: nad valgustavad ja valgustavad ümbritsevat maailma, kuid nad on peaaegu alati varjus. Seega saame rääkida ainult väga piiratud tunnustusest, st tunnustusest teatud isikute ringis, kelle kutsetegevus on ühel või teisel viisil seotud fotograafia “tarbimisega”.

Asjaolu, et ma olen, nagu te ütlete, “kuulus” teatud ringkonnas , on minu arvates tingitud kahest üsna objektiivsest põhjusest. Ma olen fotograafiaga tegelenud väga kaua aega ja on toimunud loomulik põlvkondlik nihe. Ja igas kogukonnas või kutsealal peab alati olema mingi autoriteetne vanem. Praegu olen see mina. Seega ei ole tegemist minu eriliste andidega, vaid lihtsalt sellega, et olen säilitanud algse loomingulise impulsi ja tunnetuse iseendast, autorist, kui pisikesest lülist lõputu fotokepi juures. Noh, teine aspekt on samuti seotud ajaga. Umbes 21. sajandi algusest alates, koos uue fototehnoloogia tulekuga, on miljonid inimesed üle kogu maailma hakanud fotograafiaga tegelema. Paljud neist tahavad oma hobi täiustada ja otsivad kedagi, kellelt õppida, kellest juhendada. Paljudele inimestele meeldivad minu fotod – seega, suurte arvude seaduse kohaselt, ka minu kuulsus.

Mis puutub “kenasse” ja “mõnusasse elamisse”, siis nagu igal medalil, on ka sellel kaks külge. Kuna ma olen tähelepanu keskpunktis, pean ma vaatama palju fotosid, millest enamik on halvad. Ja mitte ainult vaatama, vaid ka midagi ütlema ja selgitama, sest inimesed tulevad minu juurde nõu, abi ja hinnangu saamiseks. See on kurnav ja tuimestab silmi. Samal ajal võimaldab minu populaarsus mul tegeleda paljude probleemidega väiksema vaeva ja energiaga. Olgu selleks siis ostjatega kauplemine või läbirääkimised ametnikega näituste üle.

– Kuidas kasvatada endas kunstnikku?

– See sõltub lähtetingimustest: perekond, sotsiaalne ringkond, sünnikoht jne. Ma sündisin, nagu öeldakse, “lihtsasse” perekonda. Minu vanemad on talupojad. Minu isast sai automehaanik ja minu emast sai meditsiiniõde. Minu sugulaste suhtlusringkond ei soosinud loomingulist tegevust. Aga nad õpetasid mulle, kuidas kõvasti tööd teha. Noorena õppisin lisaks fotograafiale palju käsitööd. Igavikuline, mehaaniline töö ei ole minu jaoks kunagi olnud huvitav, ja ma olen igas ametis midagi leiutanud. Kui fotograafia tuli minu elu esiplaanile, sain aru, et ilma oma sotsiaalset ringi muutmata töötasin varem tehases lukksepana ei suuda ma ise kunstiga, mitte käsitööga, hakkama saada… Siis, 1970ndate alguses., Ma liitusin tolleaegse riigi ühe parima fotoklubiga, Viiburi Kultuuripalee VDK klubiga. See oli esimene samm. Hiljem, kui töötasin juba käsitööfotograafina tehases, mõtlesin palju humanitaarteadusliku enesehariduse peale. Veel üks samm: 1987. aastal liitusin Peegli fotoklubiga, mis oli tollal täis loovust. Ja siis oli mul õnne: kohtasin ja sain sõbraks tähelepanuväärse kunstniku ja polümaatik Paul Potehhiniga. Ta lõpetas minu kunstnikuhariduse.

Olen veendunud, et kunstniku tiitel ei saa olla tiitel iseenesest. Kõigil aegadel ja kõigis fotograafide põlvkondades on olnud fotograafe, kelle tööd on langenud ebasoosingusse. Selleks, et nad eristuksid, nimetasid kaasaegsed neid kunstnikeks. Olen kusagil öelnud, et kui mu näitused algasid ja ma kuulsin külastajatelt: “Vaadake, seal on ta – kunstnik!”, vaatasin närviliselt ringi, et näha, kellest ta räägib? Selgus, et tegemist on minuga. See oli väga ebatavaline. See pealkiri on nüüd üsna ohustatud. Arvukad ülikoolid ja muud haridusasutused koolitavad kunstnikke samal ajal kui insenere ja keskkooliõpetajaid. Ja paljud inimesed, kes võtavad kaamera kätte, tellivad kohe visiitkaardi, millel on kirjas, et selle omanik on fotograaf ja kunstnik. Ma ei taha nende ridadesse astuda. Mul on tunne, et tänapäeval ei ole see enam nii. Mõiste “fotograaf-kunstnik” ei oma rohkem mõtet kui väljend “trammireisija”.

– Selleks, et teha teravaid pilte Peterburist, peab seda väga hästi tundma ja tunnetama. Kuidas kujunes teie nägemus linnast??

– Kuidas see kujundati? Ma püüan teile sellest rääkida, kuid ärge arvake, et see oli teadlik, enesestmõistetav, nooruslik ülesanne. See juhtus lihtsalt iseenesest. Ma olen alati palju lugenud ja Peterburist on kirjutatud palju teoseid, mida on kirjutanud suured luuletajad ja kirjanikud ja mis on jõudnud maailmakirjanduse varakambrisse… Kui ma vaatasin seda või teist Peterburi teemat – väljakut, tänavat, hoonet jne. d., Ma teadsin neist midagi raamatutest. Aga ma tahtsin alati rohkem teada – biograafia teema, mis mind huvitas: kes on tema vanemad, millal ta sündis, mis ajal ta oli? Selle uudishimu rahuldamiseks pidin uurima Peterburi ajalugu ja selle tõttu ka arhitektuuri ajalugu üldiselt; Peterburi loojate ja kuulsate elanike elulugusid ja seega ka geograafia. Eraldi Peterburi ikonograafia ja seega ka kujutava kunsti ajalugu. Seal on terve kompleks, ma ei saa teile kõike öelda… Minu jaoks on üks asi kindel: Linn on mind ja minu nägemust kujundanud. Võib-olla on ta millekski valitud. Ja ma olen talle võlgu. Ma ei tea, kuidas see on, aga erinevalt paljudest mu kaaskodanikest ei lähe ma Peterburi uute arengute vastu võitlemisel barrikaadidele. Ma tean, et “selle koha geenius” saab hakkama kõigega, mis talle ei meeldi, ja Jumal saab ülejäänud asjadega hakkama. Ma arvan, et olen selles linnas elanud juba üle kolmesaja aasta ja ma tean, et ükski taktikaline sekkumine ei suuda muuta selle strateegiat. Tema, Linn, on see, kes meid valdab, mitte meie, kes me teda valdame!

Oma linna dokumenteerides ei ole ma kunagi mõelnud oma piltide müümisele ja peaaegu kunagi ei pildistanud oma linna tellimuse peale. Ma olen alati olnud klient. Ma teenisin oma elatist rakendusliku fotograafiaga. Ma arvan, et see on mõjutanud minu fotograafiat.

– Kas te oskate nimetada fotosid, mis tõesti algas kunstnik Alexander Kitaev??

– Te teate, et ma töötan erinevates žanrites? Noh, ma mäletan väga hästi ühte fotot, mille pärast ma ütlesin endale: nüüd saab Peterburi pildistada. Nii mõistsin, et Peterburi tunnet, mis elas minus, õnnestus mul kehastada lehega koos kujutisega. See oli umbes 1982. aastal, pärast enam kui kümme aastat fotograafiat. Just siis tundsin ma iseendas – ja need, kes mind ümbritsesid, ei olnud seda veel näinud -, et hakkas tekkima midagi, mida kriitikud hiljem nimetasid “Kitajevi Peterburiks”. See oli enam-vähem sama ka teistes žanrites. Ainult et kui ma hakkasin tööle fotogrammetria žanris umbes 1989 , hakkasin kohe tegema midagi, mis erines suuresti minu eelkäijate tööst.

Joseph Brodsky seletas kord oma õpilastele, et luuletaja töö on alati arengu- ja valiktöö ning et luuletaja on midagi Herkulese sarnast. Tema teod on tema luuletused. Te ei saa aru, mis on Herkules ühe, kahe või kolme teo järgi. Herakles on kõik kaksteist. Fotograafias ongi nii: ühest fotost ei saa alati järeldada, kui kaugele on jõutud või kui suur on fotograafi karjääri ulatus. Ja see ei ole Heraklese asi, et ta oma tegusid tegudeks nimetab..

– Kas teie laitmatu kompositsioonioskus on kaasasündinud tunne või on see raske töö ja aastatepikkuse kogemuse tulemus??

– Ka mina ei saa. Siinkohal nõustun Thomas Manniga: “oskus, mille järele on inimesel sisemine vajadus, omandatakse üsna kiiresti”.

Foto tegemine tähendab emulsiooni või maatriksi pommitamist fotoonidega. See pommitamine ei ole alati sihipärane. Aga seda tuleb teha vähemalt partiidena. Selleks, et mitte kukkuda maasse, tuleb omandada kompositsioonivõime. Võib-olla on see oskus Peterburi inimestele lihtsam ja kiirem. Neeva delta elanikke ümbritsevad tipptasemel arhitektide loodud ruumid, Peterburi muuseumid on täis kunsti meistriteoseid, mis pakuvad näiteid täiuslikust kompositsioonist. See kõik kasvatab silmi, tahtes-tahtmata, juba lapsepõlvest saadik. Jääb vaid üle kasutada selle kasvatuse vilju ja saada sellest oskus.

Pean märkima, et nn kompositsiooniseadused ei ole midagi, mis on ükskord ja lõplikult avastatud, uuritud ja kohustuslikuks rakendamiseks soovitatud, mis tagab edu. Inimese silm on üha paremini varustatud ja klassikalised tingimused kompositsiooniseadused on sõnastatud kujutava kunsti lapsepõlves, nende üsna lihtsa tööriistakomplekti ajal. “Tooniline ja lineaarne perspektiiv”, “rütm”, “lugu ja kompositsioonikeskus”, “mitmekesisus” jne. p. – keegi ei ole seda tühistanud. Kuid kaasaegne kunstnik kasutab ultralainurk- või ultrapika fookuskaugusega objektiivi, pildistab infrapunafilmile või piilub röntgenikiirguse abil nähtamatusse jne. d. Kõik see lõhub tavapäraseid arusaamu ruumist ja teemast, julgustab meid suhtuma kompositsioonireeglitesse loovalt ja kohandama neid tänapäeva inimnägemusele. Minu arvates tekivad kompositsiooni seadused alati teose faktist lähtuvalt. Kunstnik, kes loob täiusliku teose, mitte lugedes õpikut, vaid kuulates midagi ülaltpoolt. Tuleb teoreetik, lahutab pildi komponentideks, kaalub neid, puudutab neid, mõõdab neid ja paigutab need kõik kokku. Siis on olemas meistriteose retsept.

– Pidev täiuslikkuse otsimine on võimatu poole püüdlemine?

– Ei! Lihtsalt püüdes saavutada maksimaalset võimalikku. Minus on häälestusvill, ja kui ma seda kuulen, siis tean, kas olen saavutanud. Sellel, nagu kogu loomingulisel tööl, on kaks aspekti: tehnika ja kunst ise.

Tehnika mõttes on see selline. Te teate, et ma töötan ikka veel hõbetehnoloogias? Ja erinevalt digitaalsest ei võimalda see sammu tagasi astuda. Kogu hõbefotograafiline protsess koos oma kohustusliku mitmeastmelise ja mittemomentaarse pilditöötlemistsükliga annab elule teatud rütmi. Hõbedane 35-millimeetrine film on vaid viie meetri pikkune. Aga iga kord, kui sa sellega tegeled, põlvitad sa selle ees. Te peate seda korralikult eksponeerima ja te ei saa filmi “puhastada” ja uuesti eksponeerida. Sa ei saa ilmutada ja mitte parandada, parandada ja mitte pesta, pesta ja mitte kuivatada jne. d. See on distsiplineerimine. See kohustab, sunnib liikuma ainult edasi, ideaalse, täiusliku negatiivi suunas, sest teises etapis tuleb luua mitte vähem täiuslik trükis, positiivne trükis. Ka siin on palju nüansse, kohustusi ja lõkse. Siin on näide. Loodusliku paberiga töötamiseks on alati vaja kahte kätt. Seda teab iga graafik. Graafikud on alati tundnud ja mind on õpetatud tundma paberit, selle tekstuuri ja tihedust, selle käitumist piki- ja põikisuunas. Nad on alati hinnanud taktilist kontakti temaga. Ja kui solvav oli nende ja siis minu jaoks see lohakas viis, kuidas seda tööd paberil käsitleti?! Klient tuleb sisse, haarab ühe käega lehe ja kõik on garanteeritud! Ma ei räägi sõrmejälgedest… Näete kohe: teie ees on dilettant, kelle tasku on täis käibepabereid.

See on küsimuse üks külg. Teine on see, et fotograaf, kes püüab olla loominguline, peab pidevalt välja pigistama laboriassistendi tilka. Oh, kui paljud mu kolleegid arvavad, et täiuslik trükis on kunstiteos, unustades, et teos ei ole mitte niivõrd toode kui sõnum. Tänapäeval on pilditehnika nii hea, et meid ümbritsevad täielikult tehniliselt vilunud fotopildid. Aga kui nad midagi kujutavadki, siis on see enamasti looja üsna primitiivne sisemaailm. Ja ei anna midagi keerulise vaataja hingele või südamele. Luban endale siinkohal taas tsiteerida Brodskyt: “Üks peamisi probleeme, millega tänapäeval üks luuletaja – olgu ta nüüdisaegne või mitte – silmitsi seisab, on see, et talle eelnenud luule – teisisõnu pärand – on nii suur, et tuleb lihtsalt küsida, kas sa saad sellele lisada, muuta oma eelkäijaid või jääda iseendaks. …Arvata, et sa suudad öelda midagi kvalitatiivselt uut pärast selliseid inimesi nagu Tsvetajeva, Ahmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost, Eliot…., – on olla väga ülbe või väga ignorantne. Mina liigitaksin end viimasesse kategooriasse. Kui te alustate kirjutamist, ei tea te palju sellest, mis oli enne teid. Alles elu keskel omandab inimene selle teadmise ja see naelutab sind maa külge või hüpnotiseerib sind.”.

– Oma tööd hinnates usaldad sa ainult iseennast?

– Viimastel aastatel olen püüdnud kuulata ainult iseennast. Ma olen juba rääkinud sisemisest häälestusvardast. Minuga ei ole palju üksmeelt, ja ma ei taha tantsida kellegi teise taktikepi järgi. Ma isegi ei tea, mida siia veel lisada.

Kuid te ei pea alati iseennast kuulama. Siin on lugu. Kui ma olin fotograafina laevatehases, ärritasid mind tootmistellimused, mis sundisid mind tegema rakendatud fotode väljatrükke väärtuslikule hõbepaberile. Mulle tundus, et ma võiksin iga sellist paberilehte kasutada suuremal määral: trükkimaks neile ilukirjandusteose või isegi “netlennka”. Eriti vihane oli see siis, kui see oli ringluses elektrilised skeemid selle või teise allveelaeva või pealveelaeva mõõteriistade kohta. Olid juba olemas koopiamasinad ja fotokoopiamasinad – kiiremad ja odavamad. Ei ole! Meremeeste nõudmised olid muutumatud: ainult hõbedased trükised! Hakkasin uurima ja selgus, et agressiivses keskkonnas säilitab pilte ainult vana hea hõbetehnika ja aitab seega meeskonda hädaolukorras päästa. Kui tegemist on inimestega, kes jäävad ellu äärmuslikes olukordades, siis kuidas saab selle vastu vaielda?? Et minu kunstilised ambitsioonid võrreldes inimeste eludega?

– Kuidas minu suhted kolleegidega arenesid, kas oli soov tunnustuse järele??

– Erinevatel etappidel on see erinev. Kunagi ammu, kui sa ei ole kaval, oli kindlasti oluline saada kolleegide tunnustust. Ja siin on põhjus. Nõukogude ajaloolased kirjutasid revolutsioonieelse Eesti fotograafide kohta: “Dmitrijevi looming arenes tsaariaja rasketes tingimustes”. Nüüd öeldakse sageli, et see ja teine kasvas üles “Nõukogude Liidu” talumatutes tingimustes. Fotograafide jaoks raskendas “olude karmust” veel see, et nõukogude institutsioonid ei tunnustanud fotograafiat kunstide hulgas absoluutselt. Aga meie, fotograafid, arvasime teisiti! Pealegi töötasime me infovaakumis ning teadsime ja nägime väga vähe meie välismaiste kolleegide, nii eelkäijate kui ka kaasaegsete, töödest. Nii et me pidime enamasti üksteiselt õppima. Muid spetsialiste ei olnud! See on rahvusliku fotokogukonna eripära. Mäletan, kuidas pärast perestroikat voolas meie riiki läänest galeriide omanikke, kuraatoreid ja kunstikriitikuid, kes püüdsid oma Eesti kolleegidelt meie kaasaegse fotograafia kohta teavet saada. Nad olid hämmastunud: “Mida?? Foto? Kas selliseid kunstnikke on olemas??”. Teisisõnu, nõukogude riigis ei saanud olla nii fotograafiat kui ka seksi..

Siis tulid teised ajad ja teised suhted. Kuidagi märkamatult jõudis minuni kolleegide äratundmine. Ma tean omast kogemusest, kui raske on säilitada vanade sõprade ja tuttavate tööde tajumise ja hindamise puhtust. Ma tahan veidi kaugust. Siis oli see vähemalt absoluutses mõttes natuke nagu tajumine.

Peterburi. 2005 g.

Puud. 1992 g.

Garden Street Mouth.1995 g.

Eneseportree koos lastega. 1995 g.

Märts. 2008 g.

Ümbersõidu kanal. 1995 g.

Pickalovi sild. 2003 g.